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Cinema Globo de Ouro 2017

E o Globo de Ouro 2017 foi para… (cobertura online e todos os premiados)

The new 2009 Golden Globe statuettes are on display during an unveiling by the Hollywood Foreign Press Association at the Beverly Hilton Hotel on January 6, 2009 in Beverly Hills, California. The 66th annual Golden Globe Awards are scheduled for January 11. (Photo by Alberto E. Rodriguez/WireImage)

Olá amigos e amigas do blog!

Na noite deste domingo, 8 de janeiro de 2017, será entregue o Globo de Ouro 2017, festa máxima anual da Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood. Muitos atores não escondem que preferem a festa do Globo de Ouro do que do Oscar, especialmente porque na primeira eles podem beber muito mais. É o que reza a lenda. 😉

Outra vantagem do Globo de Ouro é que a premiação celebra não apenas o cinema, mas também a TV americana. E todos nós que amamos ótimas histórias sabemos que nos últimos anos, mais do que era no passado, é fundamental acompanhar as melhores séries de TV para conferir de perto algumas das melhores criações da história recente.

Apesar de não ser exatamente uma prévia do Oscar, o Globo de Ouro sempre revela algumas das produções mais cotadas para a premiação máxima da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood. A expectativa é que o Globo de Ouro 2017 consagre os filmes La La Land (Comédia ou Musical) e Manchester by the Sea (Drama) – corre um pouco por fora e pode surpreender Moonlight (Drama). Eles são os grandes cotados da noite e para o Oscar também.

Entre as grandes disputas em séries de TV temos a queda-de-braços entre Game of Thrones e Westworld, entre outras disputas fortes. Algumas das melhores séries do ano passado estão na disputa na noite de hoje. Veremos quem vai se sair melhor.

Para facilitar a cobertura do Globo de Ouro deste ano, estreitar o nosso contato com mais um canal de contato e acompanhar logo mais também o Oscar, criei uma conta no Twitter específica do blog. Vocês podem acompanhar os comentários pela conta @criticanonsense

Depois, no final da premiação, vou trazer por aqui também a lista dos premiados no Globo de Ouro. Seguimos em contato no Twitter. 😉

Boa parte da premiação já se foi e tudo indica que o grande vencedor da noite – e seria do ano também? – será La La Land. Resta saber se Manchester by the Sea vai papar os seus prêmios em Drama. Veremos.

Até agora a surpresa, para mim, foi Westworld e Game of Thrones perdendo todos os prêmios principais para The Crown. Não assisti à série vencedora ainda, mas acho difícil ela superar estas duas outras grandes, grandes séries. Sem contar que Westworld foi a grande surpresa de 2016.

Além das premiações, sem dúvida alguma a noite do Globo de Ouro valeu ser vista pela linda homenagem para a gigante, maravilhosa e inesquecível Meryl Streep. Lindo texto e homenagem feita por Viola Davis, com quem ela contracenou em Doubt. Meryl Streep merece todas as homenagens, porque ela é uma gigante – se não a maior atriz – de todos os tempos.

A homenagem feita para Meryl Streep foi linda, com um texto perfeito interpretado por Viola Davis, mas o discurso da homenageada foi ainda melhor. Ela lembrou a importância da imprensa de Hollywood e do mundo e falou sobre, afinal, o que é Hollywood: um lugar cheio de pessoas de diversas partes do país e do mundo.

Foi lindo quando ela citou diferentes colegas que estavam na sala e as suas origens, e quando lembrou a todos que “O desrespeito convida ao desrespeito, a violência leva à violência”, e que o papel de todos nós é evitar isso e proteger uns aos outros. Honestamente, foi o ponto alto da noite. Valeu assistir ao Globo de Ouro só por este momento.

Como esperado, La La Land saiu da noite consagrado com nada menos que sete prêmios. Globo de Ouro não significa, necessariamente, estatuetas douradas do Oscar, mas sem dúvida alguma o filme de Damien Chazelle, diretor e roteirista do interessante Whiplash, ganha muitos pontos para chegar fortíssimo no prêmio da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood. Estou curiosa para vê-lo na telona.

Como esperado, Manchester by the Sea foi a produção que se destacou em Drama, mas Moonlight acabou levando o principal prêmio da noite nesta categoria. Muito bom! Sinal de que a disputa no Oscar será mais disputada. La La Land sai na frente, sem dúvida, mas teremos algumas emoções com Manchester by the Sea, Fences e Moonlight. Da minha parte, quero conferir a todos. 😉

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Premiados no Globo de Ouro 2017

Melhor Ator Coadjuvante: Aaron Taylor-Johnson (Nocturnal Animals)

Melhor Ator de Série de TV – Drama: Billy Bob Thornton (Goliath)

Melhor Atriz de Série de TV – Musical ou Comédia: Tracee Ellis Ross (Black-ish)

Melhor Série de TV – Musical ou Comédia: Atlanta

Melhor Atriz em Minissérie ou Filme para a TV: Sarah Paulson (The People v. O.J. Simpson: American Crime Story)

Melhor Minissérie ou Filme para a TV: The People v. O.J. Simpson: American Crime Story

Melhor Ator Coadjuvante por Série, Minissérie ou Filme para a TV: Hugh Laurie (The Night Manager)

Melhor Trilha Sonora: Justin Hurwitz (La La Land)

Melhor Canção Original: “City of Stars” (La La Land)

Melhor Atriz Coadjuvante: Viola Davis (Fences)

Melhor Atriz Coadjuvante para Série, Minissérie ou Filme para TV: Olivia Colman (The Night Manager)

Melhor Ator – Musical ou Comédia: Ryan Gosling (La La Land)

Melhor Roteiro: Damien Chazelle (La La Land)

Melhor Filme de Animação: Zootopia

Melhor Filme em Língua Estrangeira: Elle

Melhor Ator de Minissérie ou Filme para a TV: Tom Hiddleston (The Night Manager)

Melhor Atriz em Série de TV – Drama: Claire Foy (The Crown)

Melhor Série de TV – Drama: The Crown

Melhor Diretor: Damien Chazelle (La La Land)

Melhor Ator de Série de TV – Musical ou Comédia: Donald Glover (Atlanta)

Melhor Atriz – Musical ou Comédia: Emma Stone (La La Land)

Melhor Filme – Musical ou Comédia: La La Land

Melhor Ator – Drama: Casey Affleck (Manchester by the Sea)

Melhor Atriz – Drama: Isabelle Huppert (Elle)

Melhor Filme – Drama: Moonlight

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Globo de Ouro 2016

E o Globo de Ouro foi para… (cobertura online e todos os premiados)

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Saudações queridos leitores e leitoras deste blog.

Como vocês bem sabem, tenho como tradição acompanhar todos os anos a entrega do Oscar, prêmio máximo da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood. Desde que eu estreei o blog, em agosto de 2007, apenas em 2010 eu fiz uma experiência de cobertura do Globo de Ouro – pelo blog e, especialmente, pelo Twitter (veja como foi por aqui).

Mas desta vez resolvi acompanhar também a premiação menos badalada mas, todos dizem, mais divertida do Golden Globes (Globo de Ouro), entregue todos os anos pela Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood. Diferente do Oscar, concentrado apenas na indústria do cinema, o Globo de Ouro tem algumas categorias do cinema e outras da TV norte-americana.

A transmissão do tapete vermelho está sendo feita pelo canal E! Entertainment e também pelo site do Globo de Ouro. Confira aqui o que está acontecendo antes da premiação começar.

O Globo de Ouro sempre antecede a entrega do Oscar em mais de um mês. Para quem acompanha a premiação da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood, ele é mais um termômetro para o maior reconhecimento do cinema dos Estados Unidos. Algumas vezes há coincidência entre os premiados, mas isso não acontece sempre.

No ano passado, por exemplo, enquanto o Globo de Ouro premiou Boyhood como Melhor Filme – Drama, o Oscar consagrou Birdman. Entre os atores, houve coincidência entre as duas premiações: tanto no Globo de Ouro quanto no Oscar ganharam a disputa principal Eddie Redmayne e Julianne Moore. O mesmo aconteceu nas categorias de coadjuvante, com J.K. Simmons e Patricia Arquette levando as estatuetas das duas premiações. Na categoria Melhor Diretor, novamente, não houve coincidência entre Oscar e Globo de Ouro: enquanto no primeiro o vencedor foi Alejandro González Iñarritu, no segundo o premiado foi Richard Linklater.

Isso comprova que o Oscar não repete o Globo de Ouro sempre, mas que há muitas coincidências entre as duas premiações. Por isso mesmo é interessante acompanhar o Globo de Ouro – eu mesma tenho utilizado a lista de indicados da premiação para me guiar na escolha dos filmes para assistir pensando no Oscar.

Tenho achado o tapete vermelho do site oficial do Golden Globes o mais interessante até agora. Afinal, ali o áudio está aberto, no melhor estilo “bastidores reais”. Tem uma figura que deve estar fotografando que sempre pede com a sua voz fina e um pouco esganiçada para os astros e estrelas virarem para a direita. Divertido!

Entre os astros e estrelas que apareceram no tapete vermelho até agora, gostei de Brie Larson com um vestido longo dourado. Ela está ótima em Room e, francamente, estou torcendo por ela hoje à noite. Ainda que, claro, Cate Blanchett levar a estatueta não seria uma injustiça. A interpretação de Saoirse Ronan ainda não vi para opinar a respeito. Na entrevista no E! ela disse que estava vestindo um Calvin Klein feito especialmente para ela. Linda.

Como era esperado, a cobertura do canal TNT começou as 22h. Ainda com o tapete vermelho. Will Smith, indicado como Melhor Ator – Drama por Concussion, comentou que é importante ser indicado por um filme que tem uma mensagem. Taraji P. Henson, da série Empire, fala sobre a importância de estar no Globo de Ouro, uma premiação com projeção internacional. Ela usava um vestido Stella McCartney.

Em seguida apareceu em cena a maravilhosa Helen Mirren, que acumula 14 indicações no Globo de Ouro. Neste ano ela concorre como Atriz Coadjuvante por Trumbo – filme que tem ainda o genial Bryan Cranston no elenco. Estou curiosa para vê-lo. Alicia Vikander, indicada em duas categorias do Globo de Ouro, aparece na sequência. Estou curiosa para ver o desempenho dela em The Danish Girl – aonde ela contracena com Eddie Redmayne.

O Globo de Ouro 2016 será apresentado por Ricky Gervais, um grande ator, roteirista e produtor. Responsável pela genial série de TV The Office, estou confiante que ele se sairá bem na apresentação de hoje.

No tapete vermelho, o superastro Harrison Ford. Ele diz que está muito agradecido pelo sucesso do último Star Wars. Ele vai entregar a homenagem do Globo de Ouro para outro ator de grande peso: Denzel Washington. Gostei, em especial, do brinquinho prateado que ele usava em uma das orelhas. Estiloso.

Depois de Jennifer Lopez aparecer em cena em um vestido colado amarelo, temos o prazer de ver Eddie Redmayne. Eleito o homem mais bem vestido da Inglaterra, ele está muito bem vestido nesta noite. Ano passado, como eu comentei, Redmayne ganhou como Melhor Ator no Globo de Ouro e no Oscar e, este ano, está concorrente novamente como Melhor Ator – Drama por The Danish Girl.

A premiação propriamente dita vai começar as 23h. Até lá, overdose de tapete vermelho. 😉

Sylvester Stallone com a esposa e suas três filhas Ele está indicado a Melhor Ator Coadjuvante. Incrível. Em seguida aparece outra veterana: Jane Fonda. Linda, super elegante e interessante, Jennifer Lawrence aparece em cena. Ela está indicada como Melhor Atriz – Musical ou Comédia por Joy. Estou curiosa para assistir a este filme também.

E agora em cena Leonardo DiCaprio, bem cotado para ganhar como Melhor Ator – Drama por The Revenant. Ele está cada vez melhor em seus papéis. Sobre o filme, ele comenta que sabia que enfrentaria dificuldades para fazer o papel, mas que tudo transcorreu bem e que eles estão contentes com o desempenho da produção nas bilheterias. The Revenant estourou nas bilheterias dos Estados Unidos, fazendo cerca de US$ 38 milhões na última semana.

Denzel Washington, que vai ganhar o prêmio Cecil B. DeMille neste Globo de Ouro, comenta que é uma honra receber este reconhecimento e mostra o papel em que anotou nomes que ele não quer esquecer de agradecer. Ele é, sem dúvida, um dos meus atores preferidos de todos os tempos. Merecido ganhar este e qualquer outro prêmio.

Algo interessante do tapete vermelho do Globo de Ouro é que os astros e estrelas aparecem com os seus acompanhantes, na maioria das vezes as suas famílias. Algo bacana de se ver.

A supertalentosa Rooney Mara, fantástica em Carol, aparece em cena. Ela diz que está muito orgulhosa de ter sido indicada junto com Cate Blanchett. Ela diz que não está pensando propriamente na premiação, mas que está orgulhosa pelo filme e por todos que trabalharam nele. Fofa!

Kirsten Dunst, em um vestido um tanto estranho, comenta que para ela é igual fazer TV ou cinema, porque para um ator o importante é estar envolvido em grandes produções. Ela tem razão. Há diversos anos a TV americana, inglesa e de outros países tem apresentado produções tão ou mais interessantes do que os cinemas de seus países. Sem ser entrevistada, mas apareceu em cena rapidamente Cate Blanchett, lindíssima. Torço por ela sempre – ainda que, admita, há outras atrizes ótimas concorrendo com ela este ano.

O Globo de Ouro 2016 entregará prêmios em 25 categorias. O filme mais indicado é Carol, com cinco chances de ganhar esta noite. Em segundo lugar, empatados com quatro chances, estão The Big Short, The Revenant e Steve Jobs. Pontualmente as 23h começou a cerimônia de premiação.

Ricky Gervais começou interpretando a persona de “mal-criado” e mandando todos calarem a boca. Ele disse que faria um monólogo e depois desapareceria. Em seguida, tomou um belo gole de um chope. Entre as piadas, brincou que a rede que estava transmitindo a premiação não tinha sido indicada em nada e por isso era imparcial. Em seguida, brincou que seria legal e nada ofensivo, diferente de anos anteriores.

Algumas piadas dele foram boas, mas muitas, cá entre nós, beeeeem sem graça. Só bebendo como boa parte da plateia para achar engraçado. Exemplo: de que a Igreja Católica odiou Spotlight, enquanto Roman Polanski achou este um dos melhores filmes já feitos. Em seguida ele falou dos principais indicados. Nada demais.

katewinslet1Na primeira entrega da noite, Kate Winslet ganhou como Melhor Atriz Coadjuvante no Cinema. Ela ganhou por Steve Jobs. Interessante. Adoro ela. Em seu agradecimento, ela disse que estava completamente surpresa e maravilhada pelo prêmio. Em seguida, homenageou as mulheres, dizendo que elas tiveram ótimos papéis no ano. Kate Winslet sempre merece um prêmio. Na sequência ela diz que Michael Fassbender é uma lenda e que assistiria ele sem cansar sempre, além de dizer que ele estabeleceu um padrão muito alto para todos. Mega talentosa e simpática. E verdadeiramente surpresa pelo prêmio.

A segunda entrega da noite foi para Melhor Atriz Coadjuvante em Série de TV. E o Globo de Ouro foi para Maura Tierney por The Affair. Ouvi falar muito bem desta série, mas ainda não a assisti. Fiquei curiosa. Ainda assim, pena Joanne Froggatt não ter ganho – afinal, ela se despediu de Downton Abbey. Gosto de Maura Tierney. É uma atriz muito talentosa, sem dúvida. Agora resta assistir a The Affair. Ela agradeceu principalmente ao elenco e aos familiares.

Até agora gostei da dinâmica do Golden Globes. Fora a introdução meio xarope do Gervais, as entregas são agilizadas e bem diretas. Isso é bom.

Depois do intervalo, a entrega de Melhor Atriz em Série de TV – Musical ou Comédia. Quem ganhou foi Rachel Bloom de Crazy Ex-Girlfriend. Me desculpem a ignorância, mas nunca tinha ouvido falar da série. Bloom disse que a série quase não aconteceu porque o piloto foi rejeitado por quase todos, inclusive seis vezes no mesmo dia. Ela agradece a quem permitiu que a série acontecesse.

Na sequência foi entregue o prêmio para Melhor Série da TV – Musical e Comédia. E o vencedor veio da Amazon: Mozart in the Jungle. Bacana ver uma outra produtora de séries ganhar uma premiação como esta. Agora, sem dúvida, tenho que me atualizar com as séries – ainda que musicais não sejam o meu forte.

A linda e talentosa Viola Davis apareceu na sequência para apresentar cenas de Carol, um belo filme e que foi o mais indicado da noite.

Após o intervalo, Ricky Gervais voltou à cena. Ele disse que o Globo de Ouro não tem uma seção para os falecidos do ano para deixar a todos deprimido mas que, no lugar disso, há um discurso com o presidente da Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood.

Na sequência, Matt Damon apresenta ao filme The Martian, que ele estrela e é dirigido por Ridley Scott. A entrega seguinte foi para Melhor Telessérie ou Telefilme. E o prêmio foi para Wolf Hall, do canal inglês PBS. Não conheço a série, mas gostei de ver o ator Damian Lewis no grupo de premiados pela série. O produtor da série agradeceu a BBC e disse que sem ela produções como Wolf Hall não existiriam. E pediu para o governo inglês seguir apostando na TV.

O premiado na categoria Melhor Ator em Minissérie ou Telefilme foi Oscar Isaac de Show Me a Hero. Isaac foi rápido nos agradecimentos, basicamente homenageando pessoas da equipe da série. A premiação do Golden Globes é mais rápida que a do Oscar mas, francamente, até agora, achei mais sem graça. É mais direta, objetiva, mas ainda prefiro as “firulas” e o espetáculo do Oscar. Mas ok, é bom acompanhar tudo.

Na volta do intervalo, os espectadores são apresentados a Spy, indicado a Melhor Filme – Musical ou Comédia. Lady Gaga e Tom Ford entraram na sequência para apresentar a categoria Melhor Ator Coadjuvante em Minissérie, Telessérie ou Filme para a TV. E o vencedor foi Christian Slater por Mr. Robot. Estou louca para ver a essa série, aliás. Muito elogiada. Slater diz que é uma honra receber o prêmio e agradece ao roteirista de Mr. Robot por criar um personagem tão bom. Ele agradeceu também a esposa e Hollywood por permitir que ele possa fazer o que ele ama.

Na sequência foi entregue o Globo de Ouro por Melhor Trilha Sonora Original para o genial veterano Ennio Morricone, autor da trilha de The Hateful Eight. Quem recebeu o prêmio por ele foi Quentin Tarantino, diretor e roteirista do filme. Ele comenta que Morricone está na mesma categoria de Mozart e Schubert e que, até então, ele nunca tinha ganho um prêmio por suas trilhas nos Estados Unidos – apenas na Itália. Ele agradece muito a Morricone e a sua esposa. Figura! E Morricone, sem dúvida, é um dos grandes do cinema. Merece não apenas esse prêmio, mas qualquer outro de trilha sonora. Ele é um mito na área.

jonhamm1Gervais retorna para tirar um sarro de Donald Trump, que quer deportar estrangeiros. Em seguida aparecem as atrizes America Ferrera e Eva Longoria para apresentar a categoria Melhor Ator de Série de TV – Drama. E ganha o prêmio Jon Hamm, de Mad Men. Nesta categoria estava concorrendo o brasileiro Wagner Moura. Francamente Hamm merece o prêmio, especialmente pela despedida de Mad Men. Uma série que demorei um pouco para assistir mas que, de fato, é muito bem acabada. Hamm diz que não esperava receber o prêmio e agradece a todas as pessoas que permitiram que a série fosse realizada por tanto tempo. Francamente ele não era o favorito para a categoria, mas foi bacana terminar Mad Men com ele recebendo mais esse prêmio.

Mais um intervalo e, na volta, Gervais aparece para chamar as “grandes amigas” Jennifer Lawrence e Amy Schumer – a primeira de Joy e a segunda de Trainwreck. As atrizes apareceram para apresentar os vídeos de seus filmes – elas disputam entre si na categoria Melhor Atriz – Musical ou Comédia. Não sei, mas as piadas da noite estão difíceis. Ainda bem que os astros e estrelas em cena não precisam destes momentos para ganhar a vida.

Na sequência, Amy Adams apresenta a categoria Melhor Ator em Filme – Musical ou Comédia. E o ganhador foi… Matt Damon, por The Martian. Ele agradeceu pelo prêmio e mandou uma mensagem para os filhos. Damon pediu para eles irem para a cama e homenageou a esposa. Ele lembrou que começou a carreira há 18 anos e que teve muita sorte de ter feito The Martian com Ridley Scott. Até aonde eu acompanhei a vitória de Damon era mais que esperada. Não vi ao filme ainda, mas desconfio que ele esteja muito bem – afinal, temos Ridley Scott na direção.

Na volta dos comerciais, vence a categoria Melhor Filme de Animação a produção Inside Out, da Pixar e da Walt Disney. Favoritíssimo desta noite e também do Oscar. Perdi ele nos cinemas, mas quero assisti-lo em breve. Sucesso de público e crítica, sem dúvida.

Os atores Ryan Gosling e Brad Pitt entram em cena para uma das trocas mais interessantes até agora. Gosling brinca que tinham dito para ele que ele iria apresentar sozinho o vencedor… e na verdade nem é uma categoria. Eles subiram ao palco para apresentar The Big Short, concorrente na categoria Melhor Filme – Musical ou Comédia.

Os vencedores do ano passado Patricia Arquette e J.K. Simmons apresentam a categoria Melhor Ator Coadjuvante em Filme. E o prêmio foi para Sylvester Stallone. Primeira entrega que foi aplaudido pela plateia de pé. Stallone agradece a todos e diz que a última vez que ele esteve ali foi em 1977, e que agora tudo é diferente. Ele disse se considerar uma pessoa com sorte e agrade a muita gente, da mulher até o produtor de Creed. No final, ele agradece ao amigo imaginário Rocky Balboa, o “melhor amigo” que ele jamais teve. Interessante ver Stallone sendo reconhecido. Mas surpresa mesmo seria isso se repetir no Oscar. 😉

No retorno do intervalo, Mark Wahlberg e Will Farrell entram com óculos coloridos de 2016 para apresentar a categoria Melhor Roteiro. Farrell pede silêncio completo e enrola por um bom tempo antes do vencedor ser anunciado. E o Globo de Ouro como Melhor Roteiro foi para Aaron Sorkin por Steve Jobs. Para mim, francamente, foi uma grande surpresa. Ainda que ele seja um grande roteirista, eu esperava outro resultado. Sorkin diz que francamente não imagina que poderia ganhar. Nos agradecimentos ele homenageia a Danny Boyle e a todos do elenco.

Na sequência, o Globo de Ouro de Melhor Ator em Série de TV – Musical ou Comédia foi para Gael García Bernal por Mozart in the Jungle. Bacana. Um grande ator e que merece ser reconhecido. Não vi a série e aos demais concorrentes para saber se ele mereceu, mas foi legal vê-lo tão emocionado sobre o palco. Muito humilde. Agradeceu a toda a equipe da série, como é de praxe, e dedicou o prêmio para a música. Curti. Até porque cinema e música são as minhas grandes paixões – além do jornalismo, é claro.

sonofsaul1Mais um intervalo. No retorno, Helen Mirren e Gerard Butler apresentam a categoria de Melhor Filme em Língua Estrangeira. Eles brincam que para quem não os assiste, é possível ler as produções porque eles tem legenda. Visível piada com o fato dos americanos raramente verem filmes de fora do país. E o vencedor foi… Son of Saul. Mirren pediu palmas para os vencedores porque, segundo ela, esta foi a primeira vez que um filme da Hungria foi premiado. O diretor László Nemes agradece a todos que ajudaram o filme a ser realizado e comentou, no final, como o Holocausto jamais será esquecido. Tudo indica que Son of Saul será o favorito do Oscar também.

Na sequência vieram as indicadas na categoria Melhor Atriz em Minissérie, Telessérie ou Filme para a TV. E o Globo de Ouro foi para Lady Gaga por American Horror Story: Hotel. Uau! Lady Gaga ganhando um Globo de Ouro vai me fazer assistir a essa última edição da série. Na ida para o palco, Leonardo DiCaprio rindo muito. Não sei se dela ou de alguma piada paralela. 😉 Gaga comentou que se sente como a Cher e considerou esse um dos grandes momentos de sua vida. Isso Madonna não conseguiu. Gaga agradeceu genericamente a todas as pessoas do elenco que fizeram ela brilhar. Também disse que antes de ser cantora ela queria ser atriz. Demorando muito no discurso, subiu a música para interrompê-la. Visivelmente surpresa.

Francamente, até agora, me surpreenderam os prêmios para Steve Jobs e para Sylvester Stallone, falando de cinema. O primeiro caso pode render indicações para o Oscar, mas Stallone acho difícil ganhar no prêmio da Academia. Entre os premiados da TV, acho que não dá para ignorar os prêmios de Mozart in the Jungle. Fiquei com vontade de assistir a série. E o paralelo de Stallone na noite talvez seja Gaga – que me fez querer assistir ao último American Horror Story.

Após mais um intervalo, Kate Perry sobe ao palco para apresentar a categoria Melhor Canção Original em Filme. E a vencedora foi Writing’s on the Wall, do filme Spectre, escrita por Sam Smith e Jimmy Napes. Realmente grande fase do Sr. Sam Smith. Ele agradece a todos os envolvidos na produção, enquanto Napes afirma que foi um sonho ter escrito uma música para um filme de James Bond.

Ricky Gervais, que eu já achei que tinha se enterrado em um barril de chope, volta para falar sobre a relação dele com a emissora de TV. Faz referência a anos anteriores em que ele fez apresentações polêmicas. Tira sarro de figuras da platéia e chama Mel Gibson para subir ao palco. Gervais tira sarro de Gibson por causa da bebida, e Gibson responde que é bom revê-lo a cada três anos porque o encontro lhe recorda que ele tem que fazer uma endoscopia. Gibson com aquela cara clássica de louco apresenta o clipe de Mad Max: Fury Road.

Em seguida, aparecem os indicados na categoria Melhor Série de TV – Drama. E o Globo de Ouro foi para… Mr. Robot. Era previsto mas, mesmo assim, sempre vou torcer por Game of Thrones. Com mais esse prêmio para a série fiquei ainda mais com vontade de assisti-la. Para vocês que conhecem todas as séries que concorreram nesta categoria (a saber: Empire, Narcos e Outlander além de Game of Thrones), Mr. Robot realmente mereceu? O diretor Sam Esmail agradece a todos os envolvidos na série, especialmente ao elenco, cumprimenta a noiva Emmy Rossum e manda um recado para o seu pessoal na Índia. Bacana ver alguém como ele, que tem as bases fora dos Estados Unidos, fazendo referência para as suas origens.

Na volta de mais um intervalo, Tom Hanks brinca a respeito do resfriado que ele tem e também com Denzel Washington. Ele fala sobre os grandes atores que marcaram as suas épocas, destes atores que não podem ser copiados mas, no máximo, imitados. E que isso não lhes trará frutos. Atrizes e atores deste naipe são conhecidos apenas por um nome. Ele cita vários, e comenta que um deles é o homenageado da noite. Hanks diz que Denzel Washington deixou um legado honrado, superlativo, e que ele se iguala a qualquer outro da história do cinema que virou referência de uma época.

Bacana o trailer com um resumo do trabalho de Denzel neste tempo todo de carreira. Hanks chama o colega para o palco e ele é aplaudido pela plateia de pé. Não tinha como ser diferente. Um ator que merece ser ovacionado é ele, sem dúvida. Denzel subiu ao lado da mulher e de um dos filhos e chamou o restante da família antes de discursar. Mas lembrou que um dos filhos, cineasta, estava ausente porque está fazendo a sua tese. Ele agradeceu pelo prêmio e pela imprensa estrangeira por ter acompanhado a carreira dele por tanto tempo. Entre os agradecimentos, destaca o primeiro agente que ele teve; a mãe por ter convencido o pai a comprar lâmpadas mais fortes ao invés de economizar em energia; e agradeceu à família antes de pedir que Deus abençoe a todos.

Mais um intervalo – falha de memória minha ou o Oscar não tem tantas paradas assim? Enfim… No retorno, Chris Evans apresentou o vídeo de Spotlight, indicado a Melhor Filme de Cinema – Drama. Ricky Gervais volta para chamar ao palco Morgan Freeman. O grande ator sobre ao palco para apresentar os indicados a Melhor Diretor em Filme. E o vencedor foi… Alejandro González Iñarritu por The Revenant. Francamente? Eu já esperava. Ele realmente faz mais um grande, grande trabalho com o filme estrelado por Leonardo DiCaprio. Iñarritu diz que todo filme é difícil de ser feito, mas que ainda assim o ano em que ele fez The Revenant foi o mais difícil que ele teve. O diretor relembra o que todos da sala sabem: que dor é temporária, mas que um filme é para sempre. Iñarritu também agradece a todos os produtores e aos estúdios envolvidos. Finalizou agradecendo, em especial, o elenco, chamando DiCaprio de herói e do grande responsável por essa que foi a sua grande experiência como diretor.

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Correndo contra o tempo, apresentaram a categoria Melhor Atriz em Série de TV – Drama. E o Globo de Ouro foi para Taraji P. Henson, de Empire. Não assisti a essa série ainda, mas sei que ela virou um fenômeno nos Estados Unidos. Agora, mais que antes, fiquei curiosa para assisti-la. Henson ganhar de Viola Davis e Robin Wright é porque seu trabalho tem que ser incrível. Quiseram interromper o discurso dela, mas ela pediu para darem mais tempo porque ela esperou 20 anos por isso. Entre os agradecimentos, os especiais foram para o elenco e a equipe.

Logo após mais um intervalo, Michael Keaton sobe ao palco para relacionar as indicadas na categoria Melhor Atriz em Filme – Musical ou Comédia. E o Globo de Ouro foi para Jennifer Lawrence por Joy. Hollywood realmente gosta dela. Se é o melhor desempenho entre as concorrente eu não sei porque, francamente, não assisti a nenhum dos filmes concorrentes. Lawrence agradece pelo prêmio e, em especial, pelo trabalho do diretor David O. Russell, elogiando o fato dele fazer cinema porque ele ama e não pelo que os outros possam falar de seus filmes.

Na sequência, Maggie Gyllenhaal sobe ao palco para apresentar a mais um concorrente na categoria Melhor Filme de Cinema – Drama, o maravilhoso Room. E depois, mais um dos intermináaaaaaveis intervalos da premiação.

No retorno, o talentoso e querido ator Tobey Maguire apresenta o vídeo do filme The Revenant, que está concorrendo na categoria Melhor Filme de Cinema – Drama. Na sequência, Jim Carrey tira sarro sobre ter sido premiado no Golden Globe e sobre o que ele sonha, que é ganhar mais um prêmio deles. Ele brinca de como o Globo de Ouro é importante e apresenta os indicados a Melhor Filme em Cinema – Musical ou Comédia. E o vencedor foi… The Martian. Ridley Scott caminha para o palco e é aplaudido de pé pela plateia.

Ele agradece pelo prêmio e brinca que achou que ganharia um Globo de Ouro após a sua morte. Ele faz uma menção muito bacana sobre os outros filmes concorrentes e que acha que fez um bom filme. Citou o sucesso de Star Wars, antes de homenagear o roteirista, Matt Damon e todas as pessoas que fizeram parte do projeto. Mesmo ele sendo Ridley Scott, não se furtaram de colocar a música para pressioná-lo a parar de falar. Ele tinha uma boa lista para falar e foi até o final dela. Ridley Scott é gênio e sempre merece ser reconhecido. Mas é preciso assistir aos concorrentes para ter certeza se foi justo.

Após mais um intervalo, Ricky Gervais retorna para chamar ao palco Eddie Redmayne. Esse ator supertalentoso aparece para listar as indicadas na categoria Melhor Atriz em Cinema – Drama. E o Globo de Ouro foi para… Brie Larson, do filme Room. Que legal! Ela pode até não ganhar ao Oscar, mas pelo menos levou o Globo de Ouro. Ela está ótima no filme. Larson agradece pelo prêmio e diz que foi um prazer conhecer as pessoas da associação de imprensa. Os agradecimentos dela começam pela roteirista de Room e segue pelas demais pessoas da produção, dizendo que metade do prêmio é também de Jacob Tremblay. Ela tem razão. Os dois dividem os méritos igualmente.

Rapidinho, porque o prêmio parece estar atrasado, sobe ao palco Julianne Moore para apresentar os indicados na categoria Melhor Ator em Cinema – Drama. E o Globo de Ouro foi para… Leonardo DiCaprio, por The Revenant. Bola bem cantada, diga-se. Ele é aplaudido por toda a plateia de pé. DiCaprio agradece ao prêmio e comenta que é uma honra ser premiado com tantos ótimos atores concorrendo na mesma categoria. Ele homenageia Iñarritu, por sua visão e direção precisa. Complementa dizendo que ele nunca teve uma experiência como essa em sua vida, e agradece ao restante do elenco, assim como ao técnico de maquiagem que fez parte de The Revenant. DiCaprio ainda agradeceu a sua equipe, seus pais, seus amigos e terminou homenageando aos indígenas, dizendo que eles devem lutar por manterem as suas terras livres dos exploradores.

Mais um intervalo e, depois dele, a última categoria do Globo de Ouro 2016: Melhor Filme de Cinema – Drama. Até o momento, os grandes derrotados da noite foram, nesta ordem, Carol e The Big Short. Finalizando a premiação, Harrison Ford subiu ao palco para apresentar os finalistas da categoria. E o Globo de Ouro foi para… The Revenant. Iñarritu sobre ao palco mais uma vez e termina de listar os nomes que precisavam ser agradecidos, dando destaque, entre outros, aos nativos dos Estados Unidos. Sem dúvida The Revenant é um filme muito bem feito, mas não achei, até o momento, o melhor do ano. Tenho outras preferência. E ganhar o Globo de Ouro é uma coisa, o Oscar é outra. Logo veremos o que vai acontecer na premiação da Academia.

Finalizada a entrega do Globo de Ouro, dá para dizer que o grande premiado da noite foi The Revenant, vencedor em três categorias, seguido de Steve Jobs e de The Martian que ganharam em duas categorias. Francamente acho que o Oscar não vai repetir todos os premiados, mas se o repeteco entre os atores for repetido, ficarei feliz – Leonardo DiCaprio e Brie Larson merecem ganhar.

Resumindo a noite, os premiados no Globo de Ouro 2016 foram os seguintes:

  • Melhor Atriz Coadjuvante em Cinema: Kate Winslet por Steve Jobs
  • Melhor Atriz Coadjuvante em Série de TV: Maura Tierney por The Affair
  • Melhor Atriz em Série de TV – Musical ou Comédia: Rachel Bloom por Crazy Ex-Girlfriend
  • Melhor Série de TV – Musical ou Comédia: Mozart in the Jungle
  • Melhor Minissérie ou Filme feito para a TV: Wolf Hall
  • Melhor Ator em Minissérie ou Filme feito para a TV: Oscar Isaac por Show Me a Hero
  • Melhor Ator Coadjuvante por Série de TV: Christian Slater por Mr. Robot
  • Melhor Trilha Sonora Original: Ennio Morricone por The Hateful Eight
  • Melhor Ator em Série de TV – Drama: Jon Hamm por Mad Men
  • Melhor Ator de Cinema – Musical ou Comédia: Matt Damon por The Martian
  • Melhor Filme de Animação: Inside Out
  • Melhor Ator Coadjuvante em Cinema: Sylvester Stallone por Creed
  • Melhor Roteiro: Aaron Sorkin por Steve Jobs
  • Melhor Ator em Série de TV – Musical ou Comédia: Gael García Bernal por Mozart in the Jungle
  • Melhor Filme em Língua Estrangeira: Son of Saul
  • Melhor Atriz em Minissérie ou Filme para a TV: Lady Gaga por American Horror Story: Hotel
  • Melhor Canção Original: Writing’s on the Wall de Spectre
  • Melhor Série de TV – Drama: Mr. Robot
  • Melhor Diretor de Cinema: Alejandro González Iñarritu por The Revenant
  • Melhor Atriz de Série de TV – Drama: Taraji P. Henson por Empire
  • Melhor Atriz de Cinema – Musical ou Comédia: Jennifer Lawrence por Joy
  • Melhor Filme – Musical ou Comédia: The Martian
  • Melhor Atriz de Cinema – Drama: Brie Larson por Room
  • Melhor Ator de Cinema – Drama: Leonardo DiCaprio por The Revenant
  • Melhor Filme – Drama: The Revenant

Muito obrigada a você que acompanhou essa cobertura online do Globo de Ouro. Agora, vamos correr para assistir aos filmes que devem chegar ao Oscar 2016 e acompanhar, no final da manhã desta quinta-feira, a lista dos indicados para a premiação deste ano. Abraços!

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Ida

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Desacelere e reflita. Não é com pressa que você vai entender o que aconteceu e o que está acontecendo. Filmes como Ida nos apresentam uma história que tem esta lógica e que, de quebra, também nos faz agir da mesma maneira para não apenas entender o que acabamos de assistir, mas também para entender as nossas próprias escolhas. Ida não é um filme evidente, com leitura simplória. Exige um tempo de reflexão, de contemplação das belas imagens reveladas pela história e também dos sentimentos que ela apresenta. Realmente um fortíssimo – para alguns o favorito – concorrente ao Oscar de Melhor Filme em Língua Estrangeira.

A HISTÓRIA: Uma freira pinta o rosto de Jesus. Depois ela e outras três freiras levam a imagem para fora, colocando-a em um pedestal em meio à neve. Elas rezam. Depois, inserida em um grupo maior, a primeira freira, Anna (Agata Trzebuchowska), canta antes de alimentar-se. Ela é observada pela madre superiora (Halina Skoczynska) que, depois, comunica para a jovem que ela vai conhecer a uma tia que não quis, quando ela ficou órfã, ficar com a menina. Mesmo relutante, ela vai conhecer essa tia, Wanda Gruz (Agata Kulesza). As duas juntas procuram pelo passado da jovem que está prestes a fazer os seus votos perpétuos.

VOLTANDO À CRÍTICA (SPOILER – aviso aos navegantes que boa parte do texto à seguir conta momentos importantes do filme, por isso só recomendo que continue a ler quem já assistiu a Ida): O primeiro elemento claro de destaque deste filme é a fotografia da produção. Impactante. Belíssima. Exemplar. Palmas para a dupla Ryszard Lenczewski e Lukasz Zal. Mas tão importante quanto a direção de fotografia dos dois é a da direção de Pawel Pawlikowski que, ao lado de Rebecca Lenkiewicz, é responsável pelo roteiro de Ida.

Considero a direção de Pawlikowski fundamental porque, afinal, é ele quem decide os enquadramentos junto com os diretores de fotografia. E a escolha de cada ângulo, do enfoque de cada cena, é o que torna este filme uma joia rara. Não é só isso, evidente. Mas os enquadramentos que valorizam os ambientes e, especialmente, tendem a jogar a visão do espectador para um “plano mais elevado”, significam muito.

Nenhum ângulo, elemento que aparece em cena, fala ou silêncio está em Ida por acaso. Tudo tem um propósito, como estes elementos e tantos outros nas nossas vidas também. Pawel Pawlikowski parece nos dizer constantemente isso. Que por mais que a existência da protagonista seja um mistério para ela mesma, e por mais que ela vai descobrindo elementos novos a cada passo e interação, tudo que aconteceu e o que está acontecendo tem uma finalidade.

Nestes termos Ida tem um significado existencial profundo. Esta produção não se resume apenas na busca de descendentes judias pela verdade em uma cruzada para esclarecer o passado. Ela é também uma reflexão profunda sobre as escolhas cotidianas que nos levam por determinados caminhos, e não por outros, e sobre a necessidade de ampliar o campo de visão antes de focar a mirada e a vida em uma determinada direção.

Mas antes de me largar filosofando sobre esta produção, quero voltar um pouco na história propriamente dita. Sugestivo e bastante acertado o filme começar em um cenário frio, de muita neve, e terminar com os campos descongelados. É como se a busca pelo conhecimento da protagonista limpasse o cenário, tornando ele menos encoberto e gélido e mais fértil e promissor.

Claramente o roteiro de Pawlikowski defende a busca pela verdade e pela reconciliação do presente com o passado, seja ele individual, no caso de Ida (inicialmente Anna) e da tia, Wanda, seja do país Polônia, invadido pelos nazistas durante a Segunda Guerra Mundial. Aliás, este recorte histórico é especialmente interessante – o que torna o filme, de fato, um forte candidato ao Oscar.

Toda vez que uma produção resolve visitar o segundo grande conflito mundial, novos elementos são expostos para o grande público no holofote. Em Ida, a novidade está na parte da população polonesa que, inicialmente, protegeu os judeus perseguidos e, depois, aproveitou-se deles ao eliminá-los da face da Terra. Quem poderia desconfiar da traição, afinal, eles estavam em um país invadido e com inimigos mais evidentes e fortes. Mas os descendentes das vítimas, como Wanda, nunca esqueceram.

Ela própria conseguiu buscar justiça contra muitos algozes do próprio país que eliminaram judeus para ficar com as propriedades deles nos anos 1950. Mas estranhamente, e isso me faz lembrar aquele dito de que “em casa de ferreiro o espeto é de pau”, Wanda não conseguiu fazer as pazes com o próprio passado. Provavelmente porque ela não se sentia preparada ou verdadeiramente forte para isso. Mas quando bate à porta dela a sobrinha que ela fez questão de esquecer até então, Wanda não consegue mais fechar os olhos e anular a consciência.

Inicialmente ela até tenta. Mas volta atrás. E ao fazer isso, tanto a vida dela quanto a de Ida/Anna mudam definitivamente. O que nos faz pensar que também os nossos encontros e aberturas para determinadas pessoas e fatos mudam a nossa trajetória para sempre. Interessante o contraponto entre tia e sobrinha. Como Wanda mesmo comenta, em determinado momento da produção, ela faz as vezes de “puta”, enquanto a sobrinha representa a “santa”.

Mas em cenários como aquele ou em diversos outros em que nós habitamos, quanto fácil pode ser identificar a puta ou a santa? Outro dia saí para celebrar o final de ano com duas amigas, quase na véspera do Natal, e fiquei chocada com o comportamento de garotas jovens em um bar. Todas vestidas com micro-saias e parecendo, para olhos com vontade de julgar, umas “putas”. Mas elas não eram. E me choquei um pouco com garotas tão jovens tendo comportamento de manada e não se dando conta da mensagem que elas estavam passando.

Wanda não conseguiu encarar a própria história durante muito tempo. E buscou, como tantas pessoas que circulam na vida real aqui e ali, maneiras de anestesiar-se. Conseguiu, por muito tempo, até que ela confrontou as suas piores dores ao ter uma convivência rápida com a sobrinha – que, de quebra, lhe fazia lembrar muito a irmã assassinada. (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Quando ela coloca certa música na vitrola, é praticamente uma morte anunciada. Pelo menos eu vislumbrei muito antes da queda que ela teria aquele fim.

Então Ida fala sobre esse passado nacional que, mesmo dolorido, em certo momento precisa ser revisitado. A verdade precisa ser descoberta e as vítimas terem um destino adequado. Esta é a Polônia dos sonhos do diretor Pawlikowski. Aliás, este deveria ser o sonho de todo cidadão de qualquer país que tenha contas a resolver com o próprio passado. Quanto mais transparência e informação sobre abusos e crimes do passado, melhor para o coletivo de uma nação.

O problema é que nem sempre essa verdade consegue ser trabalhada individualmente. Um exemplo disto é a personagem de Wanda. Que passou grande parte da vida tentando buscar justiça ou fuga sem, contudo, resolver o problema internamente. Sem dúvida a culpa pelo “abandono” do filho no passado e a falta de perspectiva inclusive familiar futura foram decisivos para a decisão final da personagem.

Por outro lado, e aí está o lado mais filosófico da produção, a protagonista tem um outro desafio para vencer. Sem esperar, ela encontra uma parente que não sabia que existia, descobre ser judia e é mordida pela ânsia de respostas originada pela tia. Após saber mais sobre os pais mortos e conviver um pouco mais com a tia, Ida sente-se também com oportunidade para dar vazão para instintos reprimidos no convento. Ela está fora da clausura e da proteção daquele ambiente e, desta forma, é “contaminada” com o mundo do pecado.

Interessante a forma muito natural com que Pawlikowski mostra esta jovem em busca de respostas também para os seus desejos e necessidades. Depois de descobrir sobre a história dos antepassados, ela volta para o convento e não se sente preparada para dar os votos de fidelidade eterna para Deus. Sua cabeça está em outro local, no músico Lis (Dawid Ogrodnik), que ela conheceu quando a tia deu uma carona para o rapaz.

Acredito que esta seja a parte mais polêmica da produção. O desejo e o contato da freira até então imaculada com o rapaz que ela mal conheceu. Da minha parte, acho que aí está uma outra reflexão interessante: que só podemos ter uma escolha verdadeiramente lúcida e firme pelas virtudes após conhecer o pecado. Com isso não quero dizer que devemos experimentar tudo para, depois, sermos capazes de abdicar de um pecado determinado.

Mas certamente quem tem mais conhecimento sobre a vida pode fazer escolhas mais lúcidas sobre determinados assuntos – como a castidade ou sobre afastar-se de algumas tentações para buscar uma vida mais virtuosa. Especialmente importante para esta produção o trabalho dos atores principais, com destaque para a força do olhar da atriz Agata Trzebuchowska. Ela nos hipnotiza e convence a cada segundo pelo olhar, muito mais que pelo diálogo. Junto com a direção de fotografia, sem dúvida ela é o ponto forte do filme.

Mesmo destilando tanto elogios para a produção, devo dizer que demorei um bom tempo após o filme terminar para conseguir ter esta leitura tão positiva sobre Ida. Inicialmente, a minha impressão não era tão boa. Então, por isso mesmo, escrevi aquela introdução lá encima. Dê tempo ao tempo em relação a esse filme.

Pouco a pouco as imagens dele vão fazendo mais sentido. Apesar desta ponderação, admito que não dei uma nota melhor para o filme, logo abaixo, porque senti falta dele me emocionar e tocar mais. Ida é uma produção virtuosa, cheia de qualidades, mas que não fisga o espectador como eu gostaria. Ou, pelo menos, da forma com que eu gosto de ser envolvida. Dito isso, confirmo o que vocês já sabem: cinema é uma arte muito pessoal.

NOTA: 9,4.

OBS DE PÉ DE PÁGINA: Ida é uma prova cabal de que um filme não precisa ser longo para ser bom. Na maioria das vezes, muito pelo contrário. Pois bem, esta produção, caros leitores, tem menos de 1h30 de duração. Perfeito.

Fiquei curiosa para saber um pouco mais sobre os diretores de fotografia desta produção. Ryszard Lenczewski é um polonês de 66 anos que tem 53 trabalhos como diretor de fotografia no currículo e 11 prêmios para apresentar. Lukasz Zal é bem mais novo, tem 33 anos, também é polonês, tem sete títulos como diretor de fotografia mas, por outro lado, apresenta já um bom portfólio de prêmios: sete até o momento. Até Ida, o forte de Zal eram os documentários.

Interessante saber, também, sobre Pawel Pawlikowski. Este polonês de 57 anos começou a carreira de diretor em 1991 com o documentário para a TV From Moscow to Pietushki. Na sequência, ele dirigiu outros três documentários e um curta de documentário, até estrear, em 1998, com o filme não-documental The Stringer. De 2004 para cá ele lançou duas produções: My Summer of Love e La Femme du Vème. Em sua trajetória, Pawlikowski recebeu 36 prêmios e foi indicado a outros 18. Nada mal, hein?

Com poucos personagens, Ida é um filme que depende muitos do desempenho dos poucos atores em cena. Por isso mesmo, palmas para Alina Falana, responsável pelo casting da produção. Ela acertou na mosca com a escolha das duas joias raras, das duas Agatas que protagonizam este filme. Agata Trzebuchowska dá um banho como Anna/Ida, enquanto Agata Kulesza dá o equilíbrio perfeito e propicia a dobradinha necessária com a outra Agata ao interpretar Wanda.

Além destas atrizes e do já citado Dawid Ogrodnik, o outro destaque da produção, vale comentar o trabalho de Jerzy Trela como Szymon; Adam Szyszkowski como Feliks; e Joanna Kulig, com presença marcante e muita beleza como a cantora da banda de Lis. Os outros atores fazem papéis muito pequenos, quase sempre pontas na história.

Ida estreou no Festival de Cinema de Telluride no dia 30 de agosto. Depois, o filme participaria ainda de outros 35 festivais. Uma jornada impressionante! O último previsto, o de número 37, será o Festival Internacional de Cinema de Palm Springs, que vai começar no próximo dia 3 de janeiro. Nesta super trajetória de festivais, Ida conseguiu abocanhar 44 prêmios – número também impressionante – e outras 28 indicações.

Entre os prêmios que recebeu, destaque para o de Melhor Filme segundo o Público do Prêmio de Cinema Europeu, além dos reconhecimentos de Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Roteiro e Melhor Direção de Fotografia entregues também por este prêmio.

Ida ganhou ainda como Melhor Filme no Festival de Cinema de Londres; como Melhor Filme em Língua Estrangeira no Prêmio do Círculo de Críticos de Cinema de Nova York; como Melhor Atriz para Agata Kulesza, Melhor Roteiro, Melhor Design de Produção e Melhor Filme no Festival Internacional de Cinema de Gijón. O filme ainda está concorrendo como Melhor Filme em Língua Estrangeira no Globo de Ouro 2015. E deve chegar ao Oscar forte…

Não há informações sobre o custo desta produção, mas ela conseguiu, apenas nos Estados Unidos e em circuito restrito, pouco mais de US$ 3,7 milhões nas bilheterias. Não é desprezível para um filme polonês no concorridíssimo mercado estadunidense.

Esta produção foi totalmente rodada na Polônia, em cidades como Lódz, Pabianice, Mianów e Szczebrzeszyn. Desafio vocês a pronunciarem o nome da última cidade. 😉

Agora, algumas curiosidades sobre a produção: o diretor Pawel Pawlikowski estava com tanta dificuldade para encontrar a atriz para fazer as vezes de protagonista de Ida que ele resolveu recorrer para os amigos. Ele pediu que eles fizessem fotos escondidas de mulheres que fossem interessantes para o papel. Um dos amigos do diretor encontrou Agata Trzebuchowska em um café, fez a foto da garota e a convenceu a fazer o teste para o papel. O resto é história.

A atriz Agata Trzebuchowska é uma ateia devota. Curioso, não? Ela estreou no cinema protagonizando esta produção.

Ida tem um certo tom autobiográfico. O diretor e roteirista Pawel Pawlikowski tinha uma mãe católica e um pai judeu e descobriu, muito mais tarde na vida, que a avó dele tinha morrido no campo de concentração de Auschwitz.

Lendo as notas de bastidores do filme é que fiquei sabendo porque de dois diretores de fotografia. O experiente Ryszard Lenczewski deixou a produção pouco depois dela ter começado. Ele alegou razões médicas, mas o diretor Pawlikowski disse que ele não estava tão engajado no filme quanto o diretor gostaria. Foi aí que entrou em cena Lukasz Zal, até então apenas um operador de câmera na produção.

O compositor dinamarquês Kristian Eidnes Andersen aparece assinando a trilha sonora do filme, ainda que boa parte do trabalho dele foi cortado para dar lugar para uma peça de Bach.

Os usuários do site IMDb deram a nota 7,5 para esta produção. Uma boa avaliação levando em conta o padrão do site. Os críticos que tem os seus textos linkados no Rotten Tomatoes foram mais efusivos, dedicando 110 textos positivos para Ida e apenas cinco negativos para a produção – o que lhe garante uma aprovação de 96% e uma nota média de 8,4.

Com esta crítica, me despeço de 2014. Um ano excelente, ainda que eu tenha ficado em dívida com você, querido leitor deste blog. Primeiro, porque não atualizei o site como eu deveria e/ou gostaria. Depois, porque estou com as respostas aos comentários feitos por vocês muito atrasadas. Mas deixa… 2015 há de ser melhor. Para todos nós. Apesar do blog ficar um pouco relegado, meu 2014 foi ótimo. Espero que o ano de vocês também. E que 2015 venha ainda melhor, inclusive com muitos filmes ótimos para assistirmos. Agradeço, imensamente, pela companhia e visita de vocês. Sem esta presença constante, este espaço não teria muito sentido. Abraços, beijos, e um 2015 maravilhoso para cada um@ de vocês!

CONCLUSÃO: Este é um daqueles filmes que, no primeiro momento, você pode até não gostar muito. Ou, pelo menos, e o que foi o meu caso, não sentir-se tão afetado pela história. Mas aos poucos Ida vai mostrando toda a sua eficácia. Quanto mais pensamos no que assistimos, mais encontramos nuances de interpretação. Visualmente belíssimo, com uma fotografia em preto-e-branco irretocável, este filme tem contemplação, escolha permanente pela “elevação”, filosofia, religião e mensagens duras pinceladas com maestria e suavidade. Nada de pirotecnia ou daquela forçada de barra para fazer o público chorar no momento certo. Uma pequena joia que precisa, como tantas outras, ser lapidada aos poucos e com cuidado dentro do espectador depois que os créditos terminam.

PALPITE PARA O OSCAR 2015: Ida avançou na disputa por uma estatueta na categoria Melhor Filme em Língua Estrangeira. De acordo com um dos boletins da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood, Ida é um dos nove pré-selecionados nesta categoria. Como vocês devem saber, no caso de acompanharem o Oscar, normalmente a lista final é anunciada com cinco produções.

Os pré-selecionados foram: Ida (Polônia), Relatos Salvajes (Argentina), Tangerines (Estônia), Corn Island (Geórgia), Timbuktu (Mauritânia), Accused (Holanda), Leviathan (Rússia), Force Majeure (Suécia) e The Liberator (Venezuela). Não assisti aos outros candidatos, mas acredito que Ida deve chegar na lista dos cinco finalistas. Tanto pela qualidade da produção quanto pelas temáticas abordadas – perseguição aos judeus e busca pessoal pela fé. Quanto a receber a estatueta… vou me sentir mais confortável em opinar conforme for assistindo aos outros pré-selecionados.

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Hugo – A Invenção de Hugo Cabret

A magia do cinema é o foco central dos dois filmes que fazem a maior quebra-de-braço deste ano no Oscar. Além do já comentado The Artist, Hugo bebe desta fonte para encantar o público e a crítica. Mas diferente do filme francês, Hugo esbanja em efeitos especiais, no uso de recursos técnicos para encantar. The Artist, por outro lado, faz isso com um roteiro melhor acabado e com interpretações exemplares. Na queda-de-braço, Hugo perde – apesar de ser um filme interessante e que faz uma homenagem exemplar para um dos grandes inventores da Sétima Arte.

A HISTÓRIA: Engrenagens de um relógio dão lugar à lógica incessante do Centro iluminado de Paris. Neva, e nos aproximamos da estação de trem, onde parece pulsar o coração da cidade. A câmera passa ligeira entre muitas pessoas, até adentrar em um ponto fundamental daquela estação: um de seus relógios. Ali, invisível para as pessoas que entram e saem da estação, está Hugo Cabret (Asa Butterfield). O garoto observa, pelos números do relógio, a vida que transcorre na estação. Ele sai desta posição de observador apenas para roubar alguma comida e as peças que ele precisa para consertar um robô misterioso deixado pelo pai do garoto (Jude Law). Sem infância, a curiosidade do garoto sobre um brinquedo o aproxima do dono de uma das lojas da estação (Ben Kingsley).

VOLTANDO À CRÍTICA (SPOILER – aviso aos navegantes que boa parte do texto à seguir conta momentos importantes do filme, por isso só recomendo que continue a ler quem já assistiu a Hugo): Hugo é um filme maravilhoso, destes planejado, do início até o final, para encantar o espectador. Aquela sequência inicial, da câmera percorrendo Paris, foi um cartão-de-visitas eficaz do diretor Martin Scorsese para o que viria depois. A sequência, propriamente, não é uma novidade – já foi explorada por muitos filmes, inclusive o ótimo Moulin Rouge. Bem planejado e executado nos detalhes, Hugo é um show de técnica. Mas lhe falta, justamente, um pouco mais de emoção e de inovação.

Não por acaso, Hugo me deu sono. Me desculpem os fãs do filme, que talvez tenham visto na telona o que consideram ser um dos melhores filmes de Scorsese. Eu não chegaria tão longe. Ele é um grande diretor, mas não fez aqui um trabalho surpreendente. Pelo contrário. Apesar de bem filmado, Hugo sofre para decolar. Demora para ficar interessante. O protagonista é bom, mas ele desaparece quando aparecem em cena atores como Ben Kingsley ou Chlöe Grace Moretz, que interpreta a Isabelle, afilhada de “Papa George”. Se Hugo tivesse meia hora a menos, talvez fosse melhor.

Nunca assisto a trailers e tento, como vocês bem sabem, me informar o menos possível sobre um filme antes de assistí-lo. Sendo assim, eu sabia que Scorsese havia homenageado a Georges Méliès com Hugo, mas não sabia até que ponto. (SPOILER – não leia se você não assistiu ainda a este filme). Tinha lido algo a respeito de que o diretor havia reconstituído a alguns dos filmes de Méliès, um dos precursores mais brilhantes do cinema. Mas não sabia que o filme era, escancaradamente, sobre ele. Gostei da surpresa. De saber um pouco mais sobre este grande nome da Sétima Arte e do que aconteceu com ele após a Primeira Guerra Mundial. Foi muito bacana, também, a forma com que Scorsese reconstituiu alguns dos curtas mais famosos do diretor. Bela homenagem.

Mas o filme, infelizmente, não se resumo apenas à isso. Como Hollywood adora fazer, de tempos em tempos, Hugo coloca um jovem órfão como narrador de uma história cheia de fantasia. O protagonista, fascinado pelo cinema, arte que ele aprendeu a amar porque o pai lhe acostumou a levá-lo para a sala escura como uma espécie de presente, atua para resgatar um realizador esquecido. Ele simboliza a indústria fazendo um mea culpa. Incapaz de fazer isso enquanto Méliès estava vivo, essa indústria tenta fazer isso agora. Ainda que essa indústria seja outra, na verdade. Porque foi a indústria francesa que esqueceu Méliès em sua época – e a que o resgata agora é a de Hollywood.

Eis um ponto curioso sobre a disputa do Oscar deste ano. Vejamos: Hugo, o filme mais indicado do ano, é uma homenagem de Hollywood para um grande pioneiro do cinema, de origem francesa. The Artist, o melhor filme na disputa e o grande concorrente de Hugo, é uma homenagem francesa para o cinema mudo feito em Hollywood. Histórias que reverenciam o passado e o legado deixado por grandes realizadores de tempos extintos. Mas que não se debruçam sobre si mesmas, mas homenageiam escolas distintas. Interessante exercício.

Mas voltando a falar sobre o que prejudica Hugo: a lentidão do filme para que a história comece a decolar. Cansa um pouco aquela marcação cerrada do inspetor da estação de trem (Sacha Baron Cohen) contra toda e qualquer criança desacompanhada de um adulto. Fica repetitiva a corrida dele em busca de Hugo. O problema é que estas perseguições não criam tensão – afinal, todos nós sabemos que o protagonista não poderia se dar mal. Outro “suspense” do filme não se concretiza: o que envolve o robô herdado por Hugo. Não demora nada para percebermos que o robô é familiar a Papa George. E ainda que eu não tenha matado logo a charada de que o personagem de Ben Kingsley fosse, realmente, o próprio Méliès, torna-se evidente que o robô tinha uma forte ligação com ele. Faltava apenas explicar qual era a função dele, o que também não demora para acontecer – e nem surpreende.

Sem tensão ou grande expectativa sobre o que virá em seguida, Hugo passa lentamente. Como eu disse antes, ele chega a dar sono, apesar de toda a perfeição dos efeitos especiais e visuais. Aquelas histórias de “vida comum” da estação querem dar um “charme” para a produção, contextualizar aquela época e mostrar o cenário que fascinou os Lumière a ponto de inspirar os seus primeiros filmes. Mas francamente? Esse pano de fundo poderia ter sido mais resumido. Afinal, ele contribuiu pouco – para não dizer quase nada – para a história que mais interessa.

Um ponto é curioso neste filme: a “disputa” entre os mundos fascinantes de uma sala de cinema e de uma biblioteca. Hugo é fascinado pelo cinema. Isabelle, sua parceira de “aventuras”, pelas histórias narradas nas páginas dos livros. No final, a mensagem que o filme parece nos sugerir é que o fascínio de um não elimina o do outro. Tanto que Hugo é inspirado em um livro. E o protagonista mesmo comenta que era acostumado a ler livros junto com o pai. Neste sentido, o filme dá uma contribuição importante. Porque fica evidente a diferença de vocabulário entre as duas crianças da produção. Quem lê muito, como a personagem de Isabelle, consegue expressar-se muito melhor que os demais. Também conseguem fantasiar com muito mais facilidade, e encantar-se com as coisas mais comuns – enxergando referências em muitos feitos ordinários. Ainda assim, nada parece ser mais fascinante que o efeito que a fantasia tornada realidade, pela lente dos cineastas, causa nas pessoas – e isso, só uma sala de cinema é capaz de revelar.

Cheio de fantasia, e que apenas se inspira em uma história real. Muito do que vemos na telona não aconteceu, de fato. O que é real: Méliès realmente faliu e trabalhou, em meados da década de 1920, em uma loja de brinquedos na estação de trem de Paris. Mas ele não foi resgatado por um órfão, como Hugo, e sim por vários jornalistas que começaram a resgatar a importância que o diretor havia tido para o cinema. A razão para a falência dele também não se explica apenas pelo “desinteresse” do público pelos filmes cheios de fantasia que ele produzia após o excesso de realidade da Primeira Guerra. Esta foi uma das razões, mas não a principal. Depois falarei mais sobre isto.

O melhor deste filme demora para acontecer: o resgate de parte da história do cinema e de algumas das produções mais bacanas de Méliès. Só depois de uma hora e nove minutos é que mergulhamos no livro Inventer le Rêve, de René Tabard, que faz um rápido recorrido sobre as origens da Sétima Arte. E daí o grande mistério de Hugo é revelado. E surge, pouco depois, o resgate de cenas preciosas da obra de Méliès, reconstruídas com esmero por Scorsese. A partir daí, Hugo diz ao que veio. E acaba valendo o ingresso. Pena que demore tanto para chegarmos a este ponto.

NOTA: 9,2.

OBS DE PÉ DE PÁGINA: O visual de Hugo é o melhor do filme. Aplausos para a direção de fotografia de Robert Richardson, para o design de produção de Dante Ferretti, para a direção de arte comandada por 10 grandes nomes, para a decoração de set de Francesca Lo Schiavo e para os figurinos da premiada Sandy Powell. Esse grupo imenso de pessoas, e mais todas as outras que ajudaram a tornar o resgate de Paris nos anos 1930 e da origem do cinema, algumas décadas antes, uma realidade.

Um grande diretor, como Martin Scorsese, só consegue fazer um grande filme como este, complexo pelo resgate histórico e pela ousadia de recriar alguns trechos de curtas clássicos, tendo uma ótima equipe ao seu redor. Por isso mesmo, Hugo é um dos filmes concorrentes deste ano que mais elogia a arte do cinema como o resultado de um trabalho de equipe. Talvez por isso, este filme saia vencedor em várias categorias. Mas lhe falta um pouco de invenção, por incrível que pareça, para ser o favorito nas categorias principais.

Hugo é uma grande obra de fantasia. Mas ele tem algum fundo de realidade. (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). O personagem central, daquele garotinho órfão “valente”, talvez tenha existido. Tenha percorrido várias vezes a estação de trem de Paris e, eventualmente, tenha parado no orfanato. Mas ele não existiu no ponto de mudar a parte final da vida de Georges Méliès. De fato, uma das mentes mais criativas do cinema ficou esquecida por muito tempo. Falido, abriu uma loja de brinquedos na estação parisiense. Mas as semelhanças com a história terminam aí. Méliès foi “resgatado” do ostracismo por jornalistas da época. E segundo este texto, em inglês, da Wikipédia, acabou de fato sendo homenageado, em dezembro de 1929, com uma retrospectiva de seus filmes na Sala Pleyel – antes da história de Hugo ser contada, portanto. Mesmo com esta homenagem, Méliès continuou pobre e precisou de ajuda para terminar a vida com o mínimo de dignidade. Vale a leitura do texto da Wikipédia.

Aliás, ao ler o texto sobre a vida do cineasta homenageado, fiquei um pouco mais incomodada com Hugo. Afinal, se era para fazer uma homenagem ao cinema e à Méliès, por que não contar um pouco melhor a sua história? Por que não falar das verdadeiras razões que fizeram o cineasta deixar de produzir filmes? Pelo texto da Wikipédia comentado, é verdade que os fatos da Primeira Guerra contribuiram para Méliès deixar de fazer filmes. Mas a derrocada do diretor havia começado muito antes do conflito de proporções mundiais eclodir.

Algo importante a comentar: Méliès não deixou o Théâtre Robert-Houdin para dedicar-se exclusivamente a fazer filmes. Pelo menos durante muito tempo. Os primeiros curtas de Méliès datam de 1896, quando ele estreou como diretor com Un Petit Diable. O famoso Le Voyage Dans la Lune, importante como fio condutor para o filme Hugo, está completando este ano 110 anos de seu lançamento. Mas segundo o texto da Wikipédia, em 1907, Méliès fazia sucesso lançando novas mágicas no teatro, enquanto produzia 19 curtas para o cinema. Segundo muitos críticos, a decadência do cineasta começou naquele ano, porque ele teria começado a repetir “velhas fórmulas” ao mesmo tempo em que lançava ideias novas. No ano seguinte, 1908, ocorreu um fato que seria decisivo – muito mais que a Primeira Guerra – para o futuro de Méliès: a criação da Motion Picture Patents Company (MPPC) por Thomas Edison.

O objetivo de Edison era colocar ordem e, de certa maneira, controlar a indústria cinematográfica nos Estados Unidos e na Europa. Várias empresas aderiram à proposta dele, incluindo a American Pathé e a Méliès’s Star Film Company. Edison assumiu a presidência do coletivo de realizadores. Naquele ano, a companhia de Méliès produziu 68 filmes e forneceu mil metros de filme por semana para cumprir o contrato com a MPPC. O irmão de Georges, Gaston Méliès, abriu então um estúdio em Chicago com a intenção de ajudar a empresa familiar a produzir a quantidade de filmes necessária. Mas ele não produziu nada em 1908. No início do ano seguinte, Méliès parou de fazer novos filmes e, em fevereiro, presidiu a primeira reunião do Congresso Internacional de Cineastas em Paris. Como outros diretores, ele estava descontente com o monopólio de Edison.

Naquele congresso, Méliès liderou um movimento de reação. O resultado é que Edison definiu que os filmes não seriam mais vendidos, mas alugados por um prazo de quatro meses apenas por integrantes da organização e que seria adotado uma mesma contagem de perfurações de filme para todas as produções. Méliès não gostou do último ponto, porque a maioria de seus clientes eram feirantes e proprietários de casas de espetáculo que eram contra esta padronização. Na época, Méliès dizia que não era uma empresa, mas um produtor independente. Ele voltou a filmar apenas no outono daquele ano. Enquanto isso, o irmão dele, Gaston, começou a produzir filmes nos Estados Unidos, abrindo estúdios diferentes até 1912. Entre 1910 e 1912, Gaston produziu mais de 130 filmes, enquanto o irmão, Georges, apenas 20.

Apenas em 1910, Georges Méliès produziu 10 filmes. Mas ele já passava mais tempo no teatro do que fazendo curtas para o cinema. (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). No outono daquele ano, Méliès fez um acordo com Charles Pathé que, segundo o texto da Wikipédia, acabaria destruindo a carreira cinematográfica dele. Pelo contrato, Méliès recebeu uma grande quantidade de dinheiro para produzir filmes que seriam distribuídos por Pathé Frères – as produções também poderiam ser editadas por Pathé, caso ele achasse conveniente. Fez parte do acordo com Pathé as escrituras da casa e da propriedade onde estava o estúdio de Méliès.

O diretor começou a fazer os seus filmes mais elaborados, como The Adventures of Baron Munchausen e The Haunted Window. O problema é que a extravagência destas produções, sucesso uma década antes, acabou resultando no fracasso de bilheteria das novas produções. Em 1912 Méliès seguiu com os projetos ousados e caros e, sem conseguir sucesso nas bilheterias, passou a ter os seus trabalhos editados por Pathé. Algumas produções de Méliès foram editadas por seu rival, Ferdinand Zecca, naquele ano, até que o diretor resolveu quebrar o contrato com Pathé.

Enquanto isso, Gaston Méliès gastou muitos recursos viajando com a família e uma equipe de 20 pessoas pelo Tahiti, pelo Pacífico Sul e pela Ásia. As filmagens foram enviadas através do filho dele para Nova York, mas grande parte do material acabou sendo danificado e perdido. Consequentemente, Gaston não conseguiu cumprir o acordo com a empresa de Edison. Além de gastar US$ 50 mil na viagem – uma fortuna para a época -, Gaston teve que se livrar do estúdio nos Estados Unidos.

Quando Méliès quebrou o contrato com a Pathé, em 1913, ele se viu em apuros para conseguir pagar o que devia para a companhia. Por ironia, a moratória declarada com o surgimento da Primeira Guerra Mundial salvou Méliès de perder as propriedades para a Pathé. Mas falido e sem possibilidade de seguir fazendo filmes, Méliès viu a situação piorar quando a primeira esposa, Eugénie Génin, morreu em maio de 1913 e seu teatro, o Robert-Houdin, ficou fechado por um ano. Foi aí que ele deixou Paris por vários anos, até retornar e começar a trabalhar em uma loja de brinquedos na estação de trem Montparnasse em meados da década de 1920. Depois da morte da esposa, Méliès teria se casado com Jeanne d’Alcy, que aparece em vários de seus filmes e que teria sido sua amante por vários anos – é ela que aparece no filme Hugo.

Durante a guerra, o exército francês confiscou mais de 400 impressões originais de filmes que faziam parte do catálogo do estúdio de Méliès para derretê-los em busca de matéria-prima para fazer solas de sapatos. O próprio Méliès, em um acesso de raiva, destruiu muitos de seus filmes. Ainda assim, segundo o texto da Wikipédia, pouco mais de 200 produções que levam a assinatura dele foram recuperadas e podem ser vistas em DVD.

Segundo o ótimo site de referências IMDb, Georges Méliès dirigiu, entre 1896 e 1913, 552 curtas metragens – a maioria deles, peças de ficção, mas alguns eram documentários. Além de diretor, Méliès trabalhou como ator em 85 curtas, como produtor de 71 deles e como roteirista de 42.

Ah sim, e era verdade que ele foi um dos espectadores maravilhados com a primeira exibição dos irmãos Lumière.

Os atores em Hugo estão muito bem, especialmente os veteranos. Roubam a cena, claro, Ben Kingsley e Helen McCrory – ela como Mama Jeanne. Jude Law faz uma ponta, assim como Michael Stuhlbarg como Rene Tabard, mas ambos estão muito bem. O garoto Asa Butterfield não faz feio, mas também não se destaca. Chlöe Grace Moretz sim, ocupa todo o espaço na tela sempre que aparece. Sacha Baron Cohen parece desconfortável em um papel sério. E outros atores conhecidos, como Emily Mortimer, que aparece como a florista Lisette, e Christopher Lee como o livreiro Labisse, praticamente desaparecem em meio a um roteiro que dá mais atenção para as cenas de perseguição do que para o trabalho dos atores.

Até o momento, Hugo pode ser considerado um fracasso nas bilheterias. Afinal, ele custou aproximadamente US$ 170 milhões e arrecadou, até o dia 29 de janeiro, pouco mais de US$ 58,9 milhões nas bilheterias dos Estados Unidos. Mesmo que o filme se recupere ganhando algumas estatuetas do Oscar, dificilmente ele conseguirá ser um êxito. Algo ruim, mas previsível – afinal, o filme não convence o suficiente e não entra na famosa propaganda boca-a-boca.

Hugo estreou no festival de Nova York no dia 10 de outubro. De lá para cá, a produção participou de apenas um festival de cinema, o de Roterdã, na Holanda.

Mesmo sem ir bem nas bilheterias, Hugo fez sucesso entre os seus pares e entre a crítica. James Cameron, após assistir ao filme, classificou-o como uma “obra de arte” e disse que é a melhor experiência de filme 3D já feita – superando, inclusive, os seus próprios filmes, como Avatar. Admito que assisti Hugo sem ser na versão 3D. Talvez neste formato ele pareça mais impressionante.

Até o momento, Hugo ganhou 26 prêmios e foi indicado a outros 65 – incluindo as 11 indicações ao Oscar. Os mais importantes que ele recebeu foram o Globo de Ouro de melhor diretor para Scorsese; e os prêmios de melhor filme e melhor diretor do National Board of Review.

Os usuários do site IMDb deram a nota 8,2 para Hugo. Uma boa nota, mas nada excepcional. Os críticos do Rotten Tomatoes foram mais generosos, dedicando 178 críticas positivas e 12 negativas para o filme, o que lhe garantiu uma aprovação de 94% e uma nota média de 8,3.

Hugo tem um bom roteiro, mas ele poderia ter sido melhor construído – sem tantas sobras e pegando ritmo mais rápido. John Logan fez um trabalho competente, mas que deixou a desejar. O roteiro dele teve o livro The Invention of Hugo Cabret, de Brian Selznick, como fonte de inspiração.

CONCLUSÃO: Volta e meia, Hollywood gosta de olhar-se no espelho. De falar sobre seus grandes diretores, artistas, de relembrar de tempos em que o glamour dominava o cenário do cinema. Eram tempos diferentes, quando não haviam muitas escolas de cinema ou centros de produção de filmes no mundo. Hugo aparece 116 anos depois da primeira exibição pública do invento dos irmãos Lumière cheio de homenagens e tentando repassar para a telona a mesma magia que encantou as primeiras audiências desta arte já centenária. O problema é que, apesar do trabalho técnico competente e das boas intenções, Hugo não consegue ter o mesmo encanto. Ele nem chega perto dele, aliás. O roteiro não surpreende e a história demora para engrenar. O final sim, sela o trabalho com chave de ouro, e faz o restante do tom morno do filme parecer pouco importante. De fato, a homenagem é bonita e o final é exemplar, mas o restante do filme, nem tanto. Bem feito, bacana, mas pouco inspirado e menos criativo que o seu grande rival no ano, The Artist.

PALPITE PARA O OSCAR 2012: Hugo foi o filme que ganhou o maior número de indicações para a maior premiação de Hollywood este ano: 11, no total. Surpresas sempre podem acontecer, mas francamenteu eu acho que ele ficará a ver navios na maior parte das indicações.

Muito bem acabado nos detalhes, Hugo tem melhores chances de vencer em categorias técnicas. Frente à The Artist, ele não merece ganhar como melhor filme. Claro, não seria nenhum absurdo se ele ganhasse. Afinal, é um bom filme. Mas não é o melhor do ano – ou na disputa, pelo menos. Martin Scorsese faz um trabalho ótimo na direção. Pode levar a estatueta. Mas se Michel Hazanavicius, de The Artist, ou Woody Allen, por Midnight in Paris, conseguissem embolsar a estatueta dourada, também não seria nenhuma injustiça – francamente, torço por Hazanavicius.

Das outras nove indicações, vejo Hugo tendo uma chance grande de vencer nas categorias de melhor edição, melhores efeitos especiais, melhor edição de som, melhor direção de arte e melhor mixagem de som. Não seria uma surpresa se o filme ganhasse ainda em melhor fotografia, ainda que eu veja outros filmes como favoritos – como The Artist e The Tree of Life. E mesmo na lista de categorias técnicas em que Hugo tem chances fortes, há sempre pelo menos um outro concorrente que pode surpreender e vencê-lo. É preciso esperar para ver o quanto a Academia quer ou não deixar o prêmio “em casa” e seguir olhando fixamente para o próprio espelho.

Para resumir, eu diria que Hugo merece entre quatro e cinco estatuetas, todas nas categorias técnicas. Mas se Hollywood quiser homenagear a si mesma e deixar o prêmio nos Estados Unidos, ignorando a superioridade de The Artist, Hugo poderá receber entre sete e oito Oscars. Logo veremos…

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The Help – Histórias Cruzadas

Surpreendente. Admito que se este filme não tivesse sido indicado a tantas estatuetas do Oscar e ganho tantos prêmios pelas atuações de suas atrizes, eu dificilmente o teria assistido agora. E The Help merece esta chance de ser visto. Ele conta uma história conhecida, mas sob uma ótica totalmente nova. Por isso a surpresa. E, claro, pelo ótimo trabalho do elenco da produção. O roteiro também é ótimo, junto com a direção de Tate Taylor.

A HISTÓRIA: Alguém escreve à lápis em um caderno comum. A empregada doméstica Aibileen Clark (Viola Davis) começa a contar a própria história, dizendo que nasceu em 1911 em uma fazenda. Ela diz que sempre soube que seria uma empregada, porque a mãe tinha sido uma e a avó, uma escrava doméstica. Skeeter Phelan (Emma Stone) pergunta se Aibileen já sonhou em ser outra coisa, e a mulher assente com a cabeça. Quando ela pergunta sobre o que a empregada sente ao cuidar de crianças brancas enquanto as suas, negras, estão sendo cuidadas por outra pessoa, Aibileen lança o olhar para um retrato na parede. E aí começa a ser contada a história dela, e de várias outras empregadas domésticas que vivem e trabalham em Jackson, uma cidade do Mississippi onde vigora a segregação racial.

VOLTANDO À CRÍTICA (SPOILER – aviso aos navegantes que boa parte do texto à seguir conta momentos importantes do filme, por isso recomendo que só continue a ler quem já assistiu a The Help): Histórias bem contadas sempre são fascinantes. Bons textos, com interpretações inspiradas, fazem toda a diferença no cinema. O diretor pode até não fazer um trabalho inovador, inspirado. Pode filmar fazendo o bê-à-bá. Tudo bem. Mas se o roteiro não for bom e os atores não fizerem um trabalho condizente com ele, não há como remediar. The Help, para a sorte dos espectadores, tem ótimas histórias para contar, de um tempo onde as aparências contavam muito e quando a ignorância predominava, e com um plus de interpretações que faz a diferença.

O problema do filme é o que o roteiro, ainda que bem escrito, é simplório em muitos pontos. O diretor Tate Taylor adaptou o romance de Kathryn Stockett para a telona. Não li a obra, mas imagino que ele jogou para o cinema a mesma lógica do livro. E ela incomoda um pouco por duas razões: por estigmatizar as mocinhas e as bandida e pela preocupação da história chocar e, em seguida, suavizar o problema com a mesma intensidade.

Mas antes de falar mais destes deslizes, vou abordar as qualidades da produção. Porque The Help tem muitas. Primeiro, a interpretação impecável de Viola Davis. Cada vez que a atriz entra em cena, ela dá uma aula de como repassar para a telona a profundidade de emoções de uma personagem. Ela convence quando sorri e ensina mais uma menina de quem cuida. Faz o mesmo quando conta suas próprias histórias, ou emociona-se lembrando do filho. Além dela, outras grandes atrizes seguram o interesse na história, com destaque para Emma Stone, Bryce Dallas Howard, Octavia Spencer e Jessica Chastain. E os coadjuvantes também fazem um coro interessante para as ótimas interpretações.

A segunda qualidade da produção é tornar atrativas narrativas de histórias que nem sempre contam com flashbacks. Esse resgate do papel fundamental dos contadores de história, que nos estimulam a ficarmos sentados enquanto viajamos com eles para outros dramas e prazeres humanos, é um dos pontos fortes de The Help. E as histórias das empregadas domésticas negras subjugadas, até então escondidas, se tornam especialmente interessantes pelo ineditismo.

Ando assistindo à muitas séries de TV, e este filme me fez lembrar da premiada e elogiada – com razões – Downton Abbey. É como se o filme destrinchasse as relações de poder e os bastidores entre empregadas negras e suas patroas brancas e ricas da mesma forma – só que com menos profundidade, é claro – com que Downton Abbey destrincha as mesmas relações na sociedade inglesa.

O filme equilibra bem o humor e o drama e, ainda que o desenrolar seja bastante previsível, no meio do caminho temos algumas boas surpresas e sacadas do roteiro. A direção de Taylor não surpreende, mas pelo menos não atrapalha. O diretor acertou ao focar a câmera sempre valorizando o trabalho dos atores – que são, sem dúvida, os grandes responsáveis pela produção manter o interesse do público do início até o final. História de gente sempre atrai, especialmente quando trata de relações conflitantes e que são próximas de quem assiste – de uma forma ou de outra o preconceito racial e/ou com minorias ainda permanece, em contextos diversos.

A grande sacada da história é o filme dar voz para quem nunca tinha tido chance de expressar-se. (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Esta questão me afetou, em especial, porque, afinal, como jornalista, sempre buscamos uma forma de, uma hora ou em outra, dar voz para essas pessoas excluídas e/ou esquecidas. Bacana ver uma personagem como a de Skeeter Phelan fazendo isso, e a repercussão importante que o seu trabalho teve. Neste sentido, The Help é um filme diferenciado, porque ele trilha caminhos antes não explorados. Outras produções já trataram de segregação racial, mas nunca tomando este ponto de vista – de empregadas e suas patroas – de bastidores familiares como tema central.

Mas nem tudo são qualidades. Agora sim, falarei mais do que me incomodou nesta produção. (SPOILER – não leia se você não assistiu ao filme). Primeiro, ainda que os atores desta produção façam um ótimo trabalho, eles estão baseados em personagens simplistas. Vejamos: será que apenas uma garota sem marido e que deseja ser independente, trilhando o caminho do jornalismo, poderia se incomodar o suficientemente para contribuir para uma mudança naquele cenário de injustiças? E será que apenas outra garota, isolada das demais, poderia também ser tão receptiva a uma empregada negra, a ponto de tratá-la como uma semelhante? Nenhuma mulher branca, casada e com filhos que fizesse parte daquela sociedade poderia, por sua própria conta e risco, se dar conta que aquela exclusão com base na raça era absurda? Curioso que há nuances de mudança na história, e esses indicativos aparecem, justamente, em mulheres mais velhas – como as mães de Skeeter e de Hilly.

Outra fonte de incômodo – ainda que esta reflexão surja depois do filme terminar, muito mais do que durante a exibição da história que, de tão envolvente, provoca pouca reflexão – é a preocupação da história em equilibrar, quase que matematicamente, o drama com a comédia. (SPOILER – não leia… bem, você já sabe). Será que é preciso realmente assoprar sempre depois de bater? The Help preocupa-se demais em chocar e suavizar ao mesmo tempo. Você espera sempre que algo pesado vá acontecer porque, de fato, episódios muito pesados aconteceram naquele cenário e tempo histórico. Mas a maior violência, a morte de um homem pelas costas, não é mostrada. The Help não deixa de ser um filme duro, mas essa dureza fica restrita apenas às histórias, às palavras e sentimentos. Fora as interpretações estonteantes, The Help parece pouco realista. Claro que ele não precisa ser realista, porque é um filme – antes que alguém diga o óbvio. Ainda assim, todo esse glacê na história faz com que ela não seja perfeita ou exemplar. O bom é que as atrizes estão tão bem que o sentimento que temos, no final, é de que acabamos de ver a um grande filme.

NOTA: 9,4 9.

OBS DE PÉ DE PÁGINA: Eis um filme de atrizes. Os homens aparecem pouco em The Help e, quando aparecem, estão sempre dando base para o destaque de uma intérprete. Os únicos atores que tem algum destaque são o galã Chris Lowell, que assume a pele do estranhíssimo Stuart Whitworth, que corteja a “solterona” Skeeter Phelan; e Mike Vogel como Johnny Foote, o bom partido que escolheu uma mulher menos óbvia, a engraçada Celia. Vogel tem apenas uma grande sequência de diálogo na produção mas, quando diz as suas falas, se sai muito melhor que o colega Lowell – sem sal, na minha opinião, pelo menos neste filme.

Vários outros filmes trataram da segregação racial nos Estados Unidos, especialmente no Sul do país, onde ela ressistiu muito mais tempo à ceder. Provavelmente o mais famoso deles seja Mississippi Burning, o ótimo filme de Alan Parker, que já pode ser considerado um clássico. Vale também dar uma conferida em Malcolm X, filme estrelado por Denzel Washington e que trata do controvertido líder negro.

Pesquisando para citar aqui alguns textos importantes e interessantes sobre a questão racial no Sul dos Estados Unidos, encontrei uma frase do escritor William Falkner a respeito de seu estado natal, o Mississippi, que eu acho relevante: “eis um lugar onde o passado nunca morre”. O racismo mostrado no filme não terminou. E não apenas no Sul dos Estados Unidos, mas em tantas outras partes, e transvestido de formas muito diversas – e, geralmente, não verbalizadas.

Tenho alguns textos para indicar àqueles que ficaram interessados por este tema da segregação racial. Para começar, indico este, publicado em um especial do portal UOL de Joaquim Nabuco. O texto traz o depoimento de Barbara Carter, uma professora de uma universidade dos Estados Unidos para mulheres negras que viveu a discriminação legalizada naquele país. No final, há a citação de que ainda existiriam, nos Estados Unidos, 762 grupos racistas. Um dos principais, claro, é a Ku Klux Klan. Aqui, um texto que explica o surgimento e o desenvolvimento deste grupo. Para fechar, recomendo este texto, que mostra avanços e retrocessos na discussão da segregação racial nos Estados Unidos, e este outro, sobre o movimento dos direitos civis naquele país.

Além das atrizes já citadas, e que dão um banho, é preciso citar outras que engrossam o time do filme – e mesmo que não façam um trabalho brilhante, elas ajudam a esta história ser contada: Ahna O’Reilly como Elizabeth Leefolt, a patroa de Aibileen; Anna Camp como Jolene French, uma das amigas de Hilly; Cicely Tyson como Constantine Jefferson, a empregada negra que ajudou a criar a Skeeter; e Aunjanue Ellis como Yule Mae Davis, a empregada que entra para substituir Minny na casa de Hilly.

Duas atrizes que fazem papéis secundários, são veteranas e dão um show são Allison Janney como Charlotte Phelan, mãe de Skeeter, e Sissy Spacek como Missus Walters, mãe de Hilly. As duas, mesmo sendo de gerações mais antigas e, teoricamente, mais resistentes às mudanças, são as que revelam uma aceitação maior das mulheres negras como iguais – ou quase isso – do que as gerações mais jovens. Talvez porque elas já sejam capazes de reconhecer tudo que aquelas mulheres fizeram por elas e pelas demais, cuidando de seus filhos e famílias por muito tempo.

O filme é bem acabado. Além da direção que privilegia as interpretações feita por Tate Taylor, vale citar a envolvente trilha sonora do veterano premiado Thomas Newman, a direção de fotografia “aconchegante” e “de época” de Stephen Goldblatt, e a edição precisa de Hughes Winborne. Por ser um filme ambientado nos anos 1960, vale comentar o bom trabalho dos figurinos feito por Sharen Davis, a direção de arte de Curt Beech e o design de produção de Mark Ricker. Sem eles, não teríamos sido transportados com tanta fidelidade para aqueles anos.

The Help é um sucesso de público. O filme, que teria custado aproximadamente US$ 25 milhões, faturou, apenas nos Estados Unidos, até o dia 29 de janeiro, pouco mais de US$ 169,6 milhões. Mesmo que ele não sair com muitas estatuetas do Oscar, para o qual ele foi indicado quatro vezes – e tem chance de ganhar, no máximo, três estatuetas -, The Help já pode ser considerado um sucesso.

Este filme estreou nos Estados Unidos e no Canadá no dia 10 de agosto de 2011. De lá para cá, ele participou de seis festivais – sem dúvida, The Help é uma produção muito mais com cara de comercial do que de festivais. Mesmo não participando de muitos festivais, este filme embolsou, até o momento, 29 prêmios – e foi indicado a outros 64, incluindo os quatro do Oscar. Dos prêmios que recebeu, destaque para o Globo de Ouro de melhor atriz coadjuvante para Octavia Spencer; para o prêmio de melhor elenco conferido pelo National Board of Review; e para os prêmios para o elenco e de interpretações impactantes para Viola Davis e Octavia Spencer do prêmio Screen Actors Guild (que representa a categoria dos atores em Hollywood).

Uma curiosidade sobre os bastidores deste filme: as atrizes Emma Stone e Bryce Dallas Howard viveram a personagem de Gwen Stacy em filmes do Homem-Aranha. Outro fato curioso: o livro de Kathryn Stockett, no qual The Help é baseado, foi rejeitado 60 vezes antes de encontrar alguém que acreditasse em seu potencial e decidisse publicá-lo. E algo fundamental para este filme ter sido realizado: o diretor, Tate Taylor, é amigo de infância de Kathryn Stockett.

Os usuários do site IMDb deram a nota 8 para The Help. Não está mal, mas está abaixo de outros concorrentes importantes deste filme no próximo Oscar. Os críticos que tem seus textos linkados no Rotten Tomatoes foram mais exigentes: publicaram 149 críticas positivas e 47 negativas para o filme, o que lhe rendeu uma aprovação de 76% – e uma nota média de 7.

The Help é uma co-produção dos Estados Unidos, da Índia e dos Emirados Árabes – curioso.

Vale lembrar que este é apenas o terceiro filme dirigido por Tate Taylor. Ator com 18 filmes no currículo, ele estreou atrás das câmeras em um curta, em 2003, e cinco anos depois, em 2008, dirigiu o primeiro longa, Pretty Ugly People. Com o sucesso de The Help, ele deve seguir nesta seara.

CONCLUSÃO: Um filme recheado de histórias interessantes narradas com uma ótica diferenciada sobre a segregação racial e a diferença de classes nos Estados Unidos. The Help é destas produções que busca o equilíbrio constante entre o drama e a comédia, com várias pitadas inusitadas e interpretações exemplares. As atrizes deste filme surpreendem pela dedicação e pela força de suas interpretações – não é por acaso que três delas foram indicadas ao Oscar e ao Globo de Ouro. E que duas estejam sendo apontadas como favoritas para levar uma estatueta dourada para casa no próximo dia 26. É um filme bem escrito, mas que falha ao suavizar a própria história, dividindo as pessoas claramente entre “boas” e “más” – quando sabemos que esta divisão é bem mais difícil de ser feita. Ainda assim, The Help é envolvente e deve cair no gosto popular, mais do que outras produções que estão concorrendo ao Oscar deste ano.

ATUALIZAÇÃO NO DIA 14/04: Olhando para trás, acho que fui um pouco “bondosa” demais com o filme dando, inicialmente, a nota 9,4 para ele. Um 9 me parece mais justo.

PALPITE PARA O OSCAR 2012: The Help foi indicado em quatro categorias do Oscar. Por repetir duas indicações em uma mesma categoria, a de melhor atriz coadjuvante, ele pode receber, na melhor das hipóteses, apenas três estatuetas. Mas deverá ficar com menos que isso. Ele não tem chance como melhor filme – pelo menos não tendo The Artist e The Descendants como concorrentes.

Levará, sem dúvida, na categoria de melhor atriz coadjuvante – provavelmente a ganhadora será Octavia Spencer, ainda que Jessica Chastain tenha se firmado como um dos grandes nomes do ano passado. Viola Davis, para a minha surpresa, está liderando muitas bolsas de apostas para a premiação. Caso ela consiga vencer das favoritas Meryl Streep e Michelle Williams, não será uma injustiça.

Viola Davis é uma das grandes responsáveis pelo êxito de The Help. Além do mais, para muitas pessoas, a Academia tem uma dívida com ela, desde que não a premiou pela interpretação estonteante – ainda que muito curta – de Doubt. Ela merece, pois. Agora é esperar para ver se ela conseguirá desbancar as favoritas e garantir o segundo de três Oscars possíveis para The Help.